ANÁLISIS ICONOLÓGICO DE “LA PIEL QUE HABITO” Y DE LA OBRA DE DALÍ.

Butaca de Primera - La piel que habito 32 granada

La escena de la película escogida para la realización del análisis iconológico es de “La piel que habito” de Pedro Almodóvar, del 2011. Y la pintura con la que la relaciono es “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar” de Salvador Dalí, en 1944.

Almodóvar, es uno de los directores que compone planos inspirados en obras pictóricas, tanto del arte tradicional, como del contemporáneo. En este caso, se trata de indagar y analizar sus referencias hacia la pintura surrealista.

En primer lugar, la identificación de las “formas puras” según Panofsky en la imagen de la escena, sería un hombre disfrazado de tigre atacando a una mujer. Él esta colocado sobre ella, inmovilizándola, y la coge la cabeza entre sus manos con un gesto violento. Ella esta apoyada en el suelo sujetada por el con cara de aterrada. De fondo en la imagen vemos un cuadro de Tiziano, “Venus, cupido y el organista”. Si observamos mas minuciosamente, la mujer esta cubierta por una malla color piel, aunque parezca a primera vista que esta desnuda. Como significado primario, es el ataque de un hombre extraño que quiere poseer a la mujer por medio de la fuerza, como si fuera una fiera. Esto pertenecería a una descripción pre- iconográfica, a lo que llama Panofsky “el mundo de los motivos artísticos”.

En el caso del cuadro de Dalí, vemos elementos que tienen una cierta connotación con los elementos de la escena de la película. Aparecen unos tigres que se precipitan a una mujer desnuda. La obra incluye mas elementos como una granada, un elefante al fondo, un pez, el mar, bayoneta, abejas… La significación de los “objetos naturales” sería que todo es un sueño y la única relación, a priori con la escena de la película es que hay una agresión de un hombre/ animal a una mujer.

El contenido secundario, de donde según Panofsky se revelan las historias y alegorías, podemos valorar a través de un análisis formal (Wölflin) los motivos artísticos y sus combinaciones.

En el caso de la escena del film, podemos añadir que se trata de una violación del personaje disfrazado de tigre, que tiene una estrecha relación familiar con el médico y amante de la mujer a la que esta atacando. Ella reencarna el personaje de Vera, a la que podríamos denominar como un experimento del doctor. Y el espacio donde están sucediendo los sucesos es en casa del propio medico- cirujano.

Con esta información ya podemos hacernos una idea de lo que puede suceder en la historia en función de los hechos, los personajes, los objetos…

Un aspecto que cabe resaltar, es la malla que le cubre el cuerpo a Vera, lo peculiar es que no lo lleva con el fin de taparse el desnudo, sino como una segunda piel. Ya que ella fue transformada en mujer siendo previamente un hombre. Y la justificación de que el hombre vaya vestido de tigre es que esta huyendo de la policía y se ha disfrazado para camuflarse durante el carnaval.

Con respecto al cuadro que aparece en la escena, como elemento decorativo del lugar, nos habla del protagonista de la película, del médico, de sus gustos. Y hay muchas connotaciones que se le pueden atribuir al la película completa sobre ese cuadro. A la que voy a hacer referencia, en este caso, es al vínculo entre Vera (la mujer) y la Venus.

El contenido del cuadro de Dalí, nos lleva al concepto de un sueño. Una fantasía de Gala, que es la mujer que aparece representada en el cuadro, (la mujer y musa de Dalí). Que es provocada por el zumbido de una abeja y que se materializa en la explosión de una granada con la aparición de dos tigres, el elefante y que, según Dalí, un segundo mas tarde, ella despierta por la figura del arma.

El vinculo entre ambas obras a nivel de contenido, es la belleza y fragilidad de la mujer, que es atacada y representada como lo bello, lo natural, lo humano. Estos son conceptos muy relevantes tanto dentro de la película, como en la obra de Dalí.

Y por ultimo, señalar el “contenido intrínseco”, la historia del estilo y de los síntomas culturales o símbolos, según Panofsky.

Una de las relaciones simbólicas entre cuadro de Dalí y la escena de la película, es la representación de la mujer como Venus. También es simbólico que el personaje del cuadro de Dalí sea Gala, y el personaje de la película Vera, este formada por un piel creada mediante transgénesis, que se denomina Gala.

La representación del hombre como animal, como fiera, como bestia.

Y desde mi opinión, la relación simbólica mas importante entre ambas obras es que el cuadro de Dalí tiene como significado propio y como interpretación las teorías de la evolución biológica. Temática principal en la película y que de forma alegórica se refleja en la escena.

Anuncios

“Los abrazos rotos” Iconografía e iconología.

Los_abrazos_rotos-115611020-large

La película sobre la que realizó el análisis iconográfico–iconológico es “Los abrazos rotos” de Pedro Almódovar, del 2009.

En primer lugar, lo que sería el objeto de interpretación, según Panofsky, determinaría de forma descriptiva la historia que cuenta la película. Trata de un escritor, Mateo Blanco, que se queda ciego tras un accidente de tráfico, donde muere su pareja Lena.

Mateo, que es guionista y director de cine, conoce a Lena en el rodaje de una de sus películas, se enamoran y ella abandona a su marido Ernesto.

Este es el productor de la película que están realizando. El personaje que desencadena la historia es precisamente el hijo de Ernesto, que se presenta un día en casa de Mateo para que escriban un guion juntos. Mateo después de su terrible accidente le cuesta reconocer a este personaje, y cuando le recuerda con la ayuda de Judith que es su fiel ayudante de producción, se desarrolla el nudo de la historia.

Es un flashback sobre el enamoramiento de Lena y sus consecuencias. El personaje de Judith es un figura muy importante, porque además de ser amiga incondicional de Mateo, hay un momento en que le traiciona por celos, y además es la madre de su hijo. Cuando Mateo queda ciego, recupera su amistad con Judith y ella le cuenta que su hijo, al cual Mateo conoce porque es su ayudante debido a su incapacidad, que es hijo suyo.

Esta parte seria según Panofsky la identificación de las formas puras, portadoras de significados primarios o naturales. Por tanto, una descripción pre iconográfica del filme.

En segundo lugar, señalar que es una película llena de motivos iconográficos que expresan conceptos abstractos, cotidianos y emocionales, dentro de la temática de las relaciones sentimentales. Además en esta película se pueden identificar diversos objetos iconográficos, que no solo se basan en el contenido de la trama, sino también, en el estilo de su propio creador.

En ella, encontramos a dos personajes femeninos muy importantes en la narración y que representan diferentes conceptos emocionales. Serían los personajes de Lena, (Magdalena) y Judith, en las cuales se puede reconocer con las figuras bíblicas de Maria Magdalena y Judith. También aparecen materiales como fotografías rotas de Mateo y Lena que se podría vincular con el titulo de la película.

Para entender la relación entre Judith y Mateo, la decoración de ambas casas es similar. La semejanza entre las ideas para escribir guiones de Mateo y el hijo de Ernesto. La reseña entre la ceguera de Mateo y el personaje que se contrata para leer los labios y así descubrir una infidelidad. El uso de ambos escritores de guion de pseudónimos…. También hay paralelismo entre esta película y algunas películas del director o incluso otras de la historia del cine a nivel temático, estético y técnico. como “Mujeres al borde de un ataque de nervios”( Pedro Almodóvar), “Ciudadano Kane”(Orson Welles), “Gilda”(Charles Vidor), “Viaggio in Italia” (Rossellini), “ Vertigo” (Alfred Hitchcok), “Ocho y medio”(Fellini)…

Todo esto son motivos o formas que el director utiliza a lo largo de la película para expresar algo simbólico. Y que según Panofsky, se pueden identificar por medio del bagaje interpretativo, de la experiencia y familiaridad, en este caso con la cultura del cine. Lo que nos señala que el director tiene muchos referentes cinematográficos para la creación de sus filmes.

Por último, analizar estas formas puras y motivos en lo que Ernst Cassirer llamó valores simbólicos o como lo determina Panofsky, el significado intrínseco, lo íntimo, lo propio y lo peculiar de lo que se quiere expresar. Los conceptos a los que se hace referencia son los celos, el amor posesivo, la amistad, el amor apasionado, el amor convenido, el rechazo familiar….

En función de los motivos que he señalado, en el caso de los personajes femeninos existe esa alegoría hacia las figuras bíblicas. Judith representa la traición a Mateo a pesar de tener una estrecha relación con él. Y Lena (Magdalena) debido a su promiscuidad con los hombres y el amor. Las ideas de los guiones, son similares ya que ambos reflejan el concepto de el rechazo de un a padre hacia su hijo. Lo que es un hecho, sucede en la película. Además el director, para relacionar ambos personajes al principio de la película los vincula por el oficio de escritores de cine, por medio de pseudónimos. El concepto de los celos lo representa muy bien con ese paralelismo entre la ceguera y la mujer que sabe leer los labios. Pues la labor de dicha mujer era descubrir los secretos entre Lena y Mateo a través de la pantalla, y describírselos a Ernesto, el marido de Lena.

En el caso del estilo del director, como he señalado, utiliza iconos de otras grandes obras cinematográficas. Para generar vínculos con otros personajes, con otros planos que simbolizan esa tensión o armonía, o incluso para crear sensaciones que en otras películas fueron consideradas un icono. Y que por tanto, según Panofsky, forman parte de la historia de los síntomas culturales o símbolos.

El espacio. Bodegas Enate.

EL ESPACIO. BODEGAS ENATE.

El recorrido que representan las fotografías pertenece al espacio de las bodegas de vino Enate. Su arquitecto Jesús Manzanares “ha captado la intensa luminosidad de esta región y la ha trasladado a los espacios interiores, de forma que aun dentro queda la sensación de estar un poco fuera. Es quizá el mejor ejemplo de este juego entre naturaleza y arquitectura” (www.enate.es).

Durante el trayecto de este espacio, fui captando las formas geométricas que constituyen el interior de la infraestructura. Esa simetría y el ritmo que se genera con la linealidad de su diseño suscita cierta profundidad, amplitud y dirigen la mirada hacia aquello que rompe con el propio esquema. Lo que genera tensión, que no esta en armonía con las líneas predominantes. Se percibe como un continuo descubrimiento que te invita desde dentro a ver el exterior y establece un vínculo entre ambos.

La iluminación que refleja el interior del espacio provoca esta atmosfera fría, limpia, brillante, esplendorosa, que le da cierta majestuosidad al lugar. Se percibe tranquilidad, serenidad, calma, silencio, reserva…

Todo constituido por una escala de tonos grises y marrones, por los materiales sobre los que esta construido. Que ayudan a generar esas sensaciones de extensión y grandeza, pero que lo convierten en un sitio inhóspito, que invita a estar allí de paso sin ser habitable.

Todas estas sensaciones son acordes a la funcionalidad del espacio. Mientras avanzas por el, vas profundizando en zonas más íntimas del espacio que mantienen esas percepciones primarias, pero que aportan nuevas sensaciones.

Resultan áreas mas acogedoras, quizá por la iluminación y los tonos mas cálidos, el ritmo que se genera en la repetición de formas donde no hay tensión sino armonía y dinamismo. Se produce una impresión de longevidad, energía, vitalidad. Sin dejar de lado esta constitución de magnitud e amplitud.

Pienso que la idea del arquitecto en la creación de los espacios y para su destino, la elaboración de vinos, se respeta ese juego con la naturaleza porque existe una complejidad en la combinación de las diferentes áreas, en la conexión de formas lineales y curvas, en la mezcla entre luces planas y duras, y sobretodo, en la apreciación que provoca esa plenitud y que a la vez sorprende y sobrecoge.

El Cronotopo

the_lovely_bones02

Para abordar el término “Cronotopo” enunciado por Batjín, que se define como las relaciones que existen entre espacio y tiempo. Voy a basarme en la película “The Lovely bones” (2009).

Dirigida por Peter Jackson, con un tono poético e imaginativo, cuenta la historia de una niña de catorce años que fue asesinada, donde muestra la angustia en el momento de su muerte y su traslado a un mundo de ensoñación desde el que ella contempla dolor de su familia y vive la experiencia de su cielo particular.

Durante la película, el espectador siente su presencia y su ausencia, se mezcla en el tiempo y el espacio, en la realidad y en su mundo.

Según Batjín “el cambio de tiempo exige la presencia de nuevos cronotopos que el autor debe amalgamar y relacionar de forma eficiente, a fin de conseguir un resultado homogéneo”. En el caso de esta película, que parece que el espacio y la temporalidad están divididas entre realidad e ilusión. Hay una coherencia, ya que existen numerosas referencias a la temporalidad de la realidad. Es decir, el mundo de la protagonista, su cielo, tiene un desarrollo espacial y temporal abstracto comparado con el mundo real de la narración de la película. Para dar sentido a este espacio y ese tiempo del mundo imaginativo existen esas referencias espaciales y temporales al mundo real del film. De manera que se percibe como mundos análogos en cuestión de espacio y tiempo.

Haciendo referencia a la novela, Batjín establece que cada motivo argumental puede tener su propio Cronotopo. En este caso, podría entenderse que en ambas atmósferas representadas en el film tendrían su propio Cronotopo. Ya que hay partes en las que suceden sucesos en ambos espacios que no tienen relación entre ellos. Por ejemplo en el espacio ilusorio la protagonista vive experiencias relacionadas con la idea de esa atmósfera, se encuentra con otros personajes que también están es ese cielo porque han muerto y que tienen algo en común. Pero este suceso narrativo desde el punto de vista de espacio temporal no esta vinculado con el de la realidad. Se relacionaría de forma más bien narrativa.

Para terminar, es interesante aplicar este concepto a la idea de espacio y tiempo de la cultura. A lo que Batjín llama como “un Cronotopo del autor y otro del “oyente- lector”. En este caso, pienso que para el espectador es fácil de entender la línea espacio temporal del film, a pesar de que presente un ambiente inventado por esa razón porque es un supuesto, forma parte de la fantasía cultural del autor de su idea de cielo.

EL MITO DEL MILICIANO MUERTO

miliciano muerto

El MITO DEL MILICIANO MUERTO

Esta fotografía realizada por Robert Capa el 5 de septiembre de 1936, es una de las imágenes mas simbólicas y difundidas de la Guerra Civil española.

En ella, se representa la muerte de un miliciano que acaba de ser abatido en campo abierto, en Cerro Muriano, Córdoba. Esta fotografía fue publicada por primera vez en la revista Vu, para la cual Capa estaba cubriendo la guerra española. Esta instantánea, fue calificada por los historiadores de la fotografía y los fotoperiodistas como la instantánea bélica más impresionante y directa de todos los tiempos.

A lo largo del tiempo, han surgido muchas dudas sobre la autenticidad de la fotografía. Se planteó la posibilidad de tratarse de una puesta en escena, por ello, ha sido una imagen analizada hasta el más mínino detalle.

La sospecha sobre la veracidad de la imagen, viene motivada por una serie de cuestiones. En cuanto al espacio que se representa, al anonimato del individuo, su posición, el movimiento que realiza, el punto de vista del fotógrafo…

Desde un sentido apofántico, la proposición determina un momento verdaderamente dramático de la tragedia de la guerra, la muerte. Sin embargo, que exista esa incertidumbre sobre la fidelidad de la fotografía a la realidad del momento, plantea quizá una falsa naturalidad de lo que se percibe.

Si se analiza desde un punto de vista hermenéutico, analizando las diversas interpretaciones que se hacen de la imagen y las intenciones de los espectadores, se podría determinar que aquello que se percibe como “evidente por si mismo” podría dar cuenta de una falsa evidencia, según Roland Barthes. De allí, surgirían todas estas sugerencias, dudas y propuestas acerca de la veracidad de la imagen y lo que ella representa.

Desde el punto de vista de Roland Barthes “la fotografía es subversiva, y no cuando asusta, trastorna o incluso estigmatiza, sino cuando es pensativa” ( La cámara lúcida. Notas sobre la fotografía. 1989). Analizando esta imagen desde su teoría del studium y el punctum, el impulso que lleva al individuo a romper con el mito sobre la veracidad de la imagen, sería lo que él determina como el punctum, que es lo que hace que la imagen emocione o afecte.

Los admiradores de Capa y de su contribución al fotoperiodismo del siglo XX, destapan ese significado, esa intención escondida bajo la evidencia de la imagen que pretendía el fotógrafo. “Se trata de una foto hecha en defensa de unos ideales justos, como era la causa de la República española”. Aquí se mostraría uno de los aspectos que determinan la acción humana, la ideología. Este fundamento, también dará pie a la percepción de distintas lecturas de la imagen, dependiendo de las pretensiones o el empeño de quien la mira.

La publicación de un reportaje en 1937 en la revista Life, titulado “Muerte en España. La guerra civil se ha cobrado medio millón de victimas en un año”. Fue la que lo convirtió en un símbolo, la que le dió sentido sobre esa realidad del momento, en la que el soldado fallecido era uno mas de los que murieron en esa guerra.

LA VESTIMENTA COMO IDENTIFICADOR DE GRUPO SOCIAL

Escritoreslouper_anguiano055

LA VESTIMENTA COMO IDENTIFICADOR DE GRUPO SOCIAL.

Cada persona pertenece a un grupo social ya sea por su economía, su condición familiar o  su legitimidad. Uno de los identificadores para distinguirse en la sociedad sería la vestimenta.

La imagen pertenece a la película “Diarios de la calle” de Richard LaGravenese. Aunque, la temática de esta película se base en grupos sociales basados en la raza de cada personaje, las formas de vestir, también los vinculan en un conjunto. 

La comparación entre la estética de un “rapero” que lleva ropa ancha, gorra, piercing, tatuajes y joyas normalmente imitación de oro, sería una representación de pertenencia a un estereotipo. Y se reconocen por un gusto por la música rap, la vestimenta e incluso por las condiciones de vida.  En cambio, una persona hippie refleja una conducta de vida diferente incluyendo los gustos y vestimenta.

Se podría decir que en ambos casos son maneras distintas de ver la vida e incluso de vivir. La mayor parte, por la condición familiar, o bien porque sus padres eran así o bien por todo lo contrario. O por el capital económico. Y con la capacidad de convencer a un grupo de que pertenecen a él, manteniendo unas creencias concretas.

Por ejemplo, en el caso de los hippies, comprendiendo el amor libre, vivir con las necesidades básicas, en armonía, sin necesitar ropa de marca y en una sociedad basada en el trueque.

Sin embargo, en el caso de un rapero si que llevan una ropa de marca concreta, de un estilo específico, con la misma forma de pensar y con un estilo de vida  superior económicamente con respecto a la vida hippie.

Dentro de estos estereotipos diferenciados, también es importante las formas de pensar y de comportamientos y hábitos. Pero, simplemente por la vestimenta es muy fácil juzgar, actualmente, a las personas y definirlas en un grupo social.

EL PODER DE LA PALABRA

11

EL PODER DE LA PALABRA

La imagen presentada pertenece a la película “12 hombres sin piedad” de Sidney Lumet.

Para argumentar esta idea del poder que tienen las palabras como creadoras de relaciones y realidad, me parece interesante esta película. Puesto que en ella, el conflicto que se plantea tiene la solución en una palabra: culpable o inocente.

A lo largo del film, se establecen diversas relaciones entre los personajes sostenidas a base del lenguaje, de diálogos, opiniones, juicios de valor…

Por medio de las palabras se va creando una acción, por tanto una realidad. En el caso de la película, por medio de la comunicación entre los personajes y sus conocimientos sobre el tema, se va generando una realidad compuesta por varios significados.

Cada personaje expresa por medio del lenguaje lo que significa para ellos esa situación, y a pesar de tener diferentes puntos de vista a lo largo de la película entre ellos se entienden, los comparten y los valoran a su manera.

Lo curioso del uso de las palabras es la forma en que se utilizan, llegando así a poder generar cambios de opinión. Creando un lenguaje persuasivo, de manera que argumentando de forma coherente tus ideas seas capaz por este medio, de modificar el significado de las cosas.

En esta película se trata de llegar a un consenso a través del lenguaje y la comunicación, porque supone un gran poder crear un misma categoría. Esa categoría va cargada de una serie de contenidos, si el personaje imputado es inocente y culpable.  Todo ello, en manos de la capacidad que tienen esos doce hombres del jurado para llegar a un mismo significado del suceso.

Las relaciones entre los personajes van evolucionando y van creciendo sus conocimientos por lo que se aportan entre ellos, hasta crear un vínculo que se expresa con una sola palabra.